23 agosto, 2010

13 comentarios:

  1. Autorretrato Nº 83



    Más de 700 elementos integran el trabajo que exhibe el chileno hasta enero en el Musac dentro de la gran muestra
    dedicada a Latinoamérica, ‘Modelos para armar’ / La obra de Oyarzún es tan extensa e intrigante como su título...

    - “Mi pintura es un trabajo abierto a la historia de la mirada
    - Y la risa”
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    - Muestra su trabajo en el Musac, dentro de la exposición 'Modelos para armar', dedicada a Latinoamérica.
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    - ¿Cuál es para usted la gran aportación de Latinoamérica al arte contemporánea?
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    - El trabajo artístico que se ha desarrollado en Latinoamérica en estos últimos veinte años se enmarca dentro de una forma que valida la multiplicidad de prácticas, maneras de crear y mostrar, en donde la figura del artista y su obra se deslizan hacia un terreno menos identificable y por ende mas complejo de definir en términos culturales y simbólicos. En este sentido pienso que el arte que se suscita al sur de nuestro continente no difiere mucho de otros lugares del planeta. Es evidente que existen ciertas características culturales que logran hacer especifico un trabajo y lo identifican con su territorio, pero lo esencial para mi está en una forma especifica que tiene el artista del presente en reflejar y darle visibilidad al mundo. Esta manera, es la manera propia que tiene y define lo que es el arte contemporáneo: no existe un lugar un espacio, un territorio donde el artista actual no sea capaz de introducirse o infiltrarse para llevar a cabo su experiencia, y esto es propio de todas las latitudes del globo.
    - Lo Latinoamericano hoy se desdibuja en la nebulosa del arte contemporáneo y para mi una prueba de ello es la excelente exposición que se lleva a cabo en Musac.
    - El aporte del arte Latinoamericano del presente es precisamente haber sabido despojarse de ese carácter exótico y reductor que cargaba a sus espaldas de dos maneras que se contraponen, la positiva: la existencia de un arte crítico, que problematiza en torno a un variado repertorio, de lo social, de lo político, de la cultura de masas y medios de comunicación,; y al mismo tiempo es un arte controlado hoy en día, porque pertenece al sistema propio del arte actual, la maquina del arte o el sistema del arte, Y el espacio Latinoamericano se adapta muy bien al sistema imperante que es mas demostrativo finalmente que pensante, vivimos en la época de la turistización del arte, el arte como un evento y ya no tanto como un espacio de sentido.

    continua
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  2. - ¿Conocía bien el Musac y el trabajo que desarrolla? ¿Qué le parece como centro de arte contemporáneo?

    No había estado nunca en su espacio físico y es en el marco de está exhibición que lo veo por primera vez, o podríamos decir mas bien que lo habito por vez primera, me la pasé cuatro días montando. Pero obviamente que había escuchado hablar del Musac, lo conocía y es sabido del rol excepcional que juega como centro. Pienso que se trata de un referente, de aquellos que hay pocos, que muestran entendiendo muchas de las características que definen la creación contemporánea: un conocimiento en permanente mutación, donde la circulación de ideas y objetivos planteados permite que la obra de la colección este en permanente rotación. El Musac tiene eso de excepcional, el de dejar un espacio importante a la propia obra, y no cae en ese error común de actualidad, de grotescas muestras atiborradas de obras que se asfixian entre ellas en su imposibilidad de respirar en un mínimo perímetro. Es desde las obras mismas donde surgen las mejores ideas, decía por ahí un especialista, y pienso que Musac va por ese camino, el de entregar una verdadera visibilidad a su colección, a través de inteligentes proyectos curatoriales, el museo sienta un precedente en torno a propuestas que se enmarcan en la compleja escena del arte del presente.

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  3. - ¿En qué momento se encuentra su país, Chile, social y artísticamente?

    El desastre ya tuvo lugar, hoy vivimos de las replicas. Chile es un país de terremotos, y vaya que son verdaderos. Luego viene la calma, esta se instala por muchos años y de pronto cuando ya todos estamos acostumbrados (o podridos los mas refractarios), es cuando pasa algo.
    El fenómeno natural del desastre es un tema que está ahí en el inconciente colectivo. Por otra parte para retomar tu pregunta, lo social, Chile sigue siendo un modelo de extrema desigualdad, a pesar que muchas cosas han cambiado para bien, en dos palabras: el modelo económico chileno, privilegia a una minoría en este país. Y por otra parte, definitivamente el arte hoy en Chile goza de una demanda e infraestructura mayor, esto responde a una voluntad de democratización en todo los ámbitos de la sociedad, y la cultura en tiempos de la social democracia tuvo su despegue, Pero la gran falencia es que la mayoría de estos espacios ya sean institucionales, como museos o privados como las galerías de arte, funcionan con una carencia de profesionalismo que logra impresionar al mas despistado. Hay voluntades, buenos agentes culturales y excelentes artistas, tal vez por ser mundo chico y provinciano, todos se maltratan y se descueran con gran facilidad. Los especialistas no existen, no tenemos ni a un solo historiador del arte, y esto es grave, solo comentaristas incapaces de hablar de los trabajos si no que mas bien siguen una moda ya tan desgastada de los años del conceptualismo, que es elaborar discursos que niegan el arte. Uno reciente esa imposibilidad, salvo escasas excepciones, y aquí en Chile no hay gente, no solo no profesional, si no que ni siquiera se interesan con lo que están haciendo los artistas. Al decir esto suena en extremo pesimista, pero en el fondo la vida continua mas allá del arte, eso está claro, pero a mi parecer el sistema chileno del arte contemporáneo es bastante mediocre. Así y todo existe un financiamiento estatal que cada año entrega mucho dinero para que los artistas puedan desarrollar sus proyectos. Son cosas que existen, menos mal.

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  4. - En este homenaje a Latinoamérica del Musac, usted ha titulado su aportación 'Tres posibilidades para un paseo ó 123 formas que no sirven para comprender el despilfarro de todos estos años'… ¿Qué contenido ofrece un títutlo tan largo y por qué optó por titularlo así?

    Al origen este trabajo se titulaba: “La imagen pintada o las mas bellas historias de la vida del Capitán Zanahoria”. Se trataba de una obra mas pequeña y que fue presentada en Cifo, Cisneros Fontanals Art Foundatio, Miami, en 2005. Luego esta misma obra que puede funcionar como un cuerpo que crece en el sentido que puedo ir agregando series de dibujos o pinturas al trabajo y esta va cobrando mas volumen. Fue así como se mostró en la bienal de Porto Alegre en 2007 y así como la obra cambia en su dimensión y visualidad, como también puede cambiar el titulo de esta. Hay que decir por lo demás que este trabajo ha sido ya expuesto cuatro veces y siempre el montaje lo hago de un modo diferente.
    Recuerdo que este titulo se me ocurrió en la bienal mientras trabajábamos en el montaje, existía un dialogo con otras obras, mi trabajo de algún modo interactuaba con la obra de otros artistas, de ahí el inicio del titulo, “tres posibilidades para un paseo” como una forma de recorrer los trabajos de todos, pero también como una manera deliberada de despistar y no dar, no entregar esa típica definición cerrada y casi autoritaria que tienen tantos trabajos,”… las 123 formas que no sirven para comprender el despilfarro de todos estos años”, alude a la labor de un artista como aquel que desarrolla un trabajo, el cual no es necesariamente de utilidad para nadie. Es una ironía al sistema de consumo, donde nos pasamos la vida haciendo cosas supuestamente productivas, y nos rodearnos de objetos funcionales y nuestro trabajo es necesario para seguir sobreviviendo y seguir pagando cuentas y el alquiler y etc. Me agrada la idea de saber que un trabajo de creación, a pesar que igualmente es consumido también hoy día como un producto, no es un requerimiento esencial para la vida funcional y la realidad en donde nos desenvolvemos, esa sensación de inutilidad que acarrea una creación de arte hoy es lo que pone en cuestión todo, y resignifica la realidad de otra manera. Por último el titulo puede no significar nada tampoco, cada cual interpreta lo que quiera ver ahí, pero está claro que es una suerte de ironía que se devuelve a la vida del propio artista y que es necesario ver la inmensidad y despliegue de eso que está puesto en el muro para darse cuenta.
    Y todo a sido en vano? Genial porque no! Pero igual me gusta, me fascina como quedó ahí montado y lo mejor de todo es que no sirve para nada, para nada mas que posiblemente deleitarnos en lo mental en lo simbólico en lo imaginario.

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  5. - Su instalación es muy variada, con todo tipo de elementos… dibujo, papel, acrílico, fotografía, tela… ¿Cómo explicaría su trabajo para quien aún no lo haya visto? ¿Qué se va a encontrar?

    Esta pregunta es una extensión de la anterior, ahora entonces puedo explicar de que se trata toda esta confusión deliberada, todo esta intensión de buscar en la mirada del observador un instante de goce de placer o tal vez, vaya a saber uno, de enfado y escándalo, (me ha sucedido), bienvenido sea, el arte está ahí también, “para molestar al hombre” como decía Lucian Freud.
    Es esencial comprender que lo que vemos ahí ante todo es una pintura. No es una instalación como tantas veces me han querido colgar y etiquetar el trabajo. Podríamos señalar que se trata de una pintura fragmentada, compuesta de muchas partes muy pequeñas y que la totalidad conforma un cuerpo de obra de gran envergadura.
    Como toda pintura, este trabajo requiere de una mirada atenta, calma, es el tiempo de la pintura que nos demanda ese lugar, ese posicionamiento mental desde donde podamos verdaderamente ver. Se trata de una disposición y ganas de descubrir a través de la mirada. Aparte de todas las libertades y licencias que el observador pueda darse, existen dos condiciones fundamentales para descubrir en toda su dimensión lo que es una pintura: El paradigma de la distancia, desde donde nos situamos para ver y descubrir. La primera regla es la mirada de lejos, es la que nos hace comprender la totalidad de la composición, y en este caso el observador asiduo se dará cuenta que lo que ve es una suerte de abstracción, una composición abstracta y luego está la mirada de cerca que nos revela el detalle y en él la paradoja de descubrir que la mayoría de la información que se nos muestra es figuración, o nos cuenta o entrega una información sobre algo relacionado al mundo visible, de lo real.
    Daniel Arasse confirma esta teoría del desplazamiento de la mirada en una frase emblemática a él: “De lejos el placer, de cerca el goce”. La pintura se propone como un objeto plástico a ser redescubierto constantemente. Para mi el campo de la creación pictórica acoge esa doble forma que el observador completa en su desplazamiento. La pintura puede ser de una complejidad conceptual y al mismo tiempo entregarnos un placer de la mirada como ninguna otra forma del arte de la imagen, de ahí su paradigma inagotable.
    Pero como en toda pintura, aquí hay una historia que contar y es tratar de dilucidar aquello que vemos. Lo que se hace visible aquí es la historia propia a nuestra contemporaneidad, comprendida bajo el prisma de las mismas historias ya contadas que informan sobre el complejo y no menor mundo del arte y el artista. Desde aquí puedo desplegar un sin fin de información que pretende dar cuenta, casi con desesperación de todo lo que existe en el mundo, mas allá del arte mismo. Y finalmente este artista, a fuerza de querer mostrar e informar sobre todo para que todo el mundo comprenda y lo comprendan, se pisa la cola, pues la información es tal, que lo único que logra es una gran catástrofe del ordenamiento. Este trabajo se transforma en la antitesis del requerimiento enciclopédico. Al término de la visita, el observador ya exhausto podrá irse tranquilo con la vaga idea de no haber entendido absolutamente nada. Ese sería el triunfo de la pintura, que guarda su autonomía y secretos para si. Y ahí estará doblemente satisfecha, por que la duda persiste y el espectador que ama el desafío de ver, quedará enganchado, y volverá.

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  6. - Carlos Ordás: "La instalación de Oyarzún nos descubre la que es una característica recurrente en toda su obra: la yuxtaposición de dos niveles de representación". Explíquese.
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    - Imposible, por respeto a la interpretación y evitar malos entendidos, yo no me puedo hacerme cargo de una lectura que hace Carlos Ordaz de mi trabajo, habría que preguntarle a él que quiso decir.

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  7. - A simple vista, el visitante de 'Modelos para armar' encuentra un enorme mural repleto de pequeños elementos. ¿Cada elemento fue concebido individualmente y luego los fue ubicando en el puzzle, o desde un principio sabía lo que buscaba?

    - Esta pregunta creo ya haberla respondido mas arriba , no te parece? Porque ya explico como funciona todo el trabajo

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    - Se define como artista autodidacta. ¿Qué es para usted el arte, y cuál fue el motivo de su aproximación a éste y su evolución hasta el momento actual?

    “De todos los conocimientos, el arte será tanto mas perfecto que lo que será el oscuro hoyo al cual nos conduzca” Algo mas o menos así dice Pedro Cabrita Reis, artista portugués. Pienso que el arte es ese lugar que nos queda como un espacio de experimentación donde logramos lidiar con la incertidumbre, logrando a veces transitar por abismos inauditos de placer, En este sentido el arte se parece al buen sexo, cuando hay real afecto, y luego cuando todo termina, viene la calma la dulce infelicidad de las cosas rutinarias de la vida. El arte es potente cuando este se suscita en el espacio de la propia creación y luego cuando el artista monta su trabajo y por fin viene alguien y lo ve, por ejemplo, un mujer hermosa que de pronto ve eso que está ahí expuesto y descubre algo que la conmueve y entonces se completa todo el proceso.

    El motivo de mi aproximación al arte? La verdad es que no tenía nada que hacer.

    Y sobre mi evolución, no creo en la calamitosa carrera del artista. Este es el invento del sistema imperante del arte y de todas las formas que rigen el mercado, donde todos debemos ocupar un lugar en el escalafón social y económico. Y debemos responder a una demanda caracterizada en lo competitivo. Ese es el desastre, porque el arte esta en la absoluta imposibilidad de cambiar algo. El artista hoy mas que nunca está acorralado y solo en su propio perímetro cuadrado. Ya no existen los grandes movimientos ni causas por las cuales luchar, eso el artista lo sabe, pero al menos le queda y guarda lo más importante y algunos pocos lo sabemos también, y eso se atesora como un diamante en bruto. Porque en definitiva es por ahí por donde pasa lo esencial de la vida, todo lo que hacemos y amamos, y que sabemos que se nos va la vida en eso.

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  8. ¿Y qué le interesa más: el dibujo, la fotografía, la pintura…?


    - Soy pintor y también dibujo. La fotografía no me interesa . La historia del Capitán Zanahoria es una viñeta muy extensa que esta compuesta de pequeñas imágenes fotográficas, pero mas bien aquí la foto está utilizada como un recurso técnico que me permitía llevar a cabo y contar esta historia. He perdido el asombro por la imagen fotográfica, tengo muchas que utilizo para posteriormente hacer una pintura, son fotos que yo mismo hago, pero mas allá de esta operación, creo que la banalización de la imagen fotográfica es tan extrema que termina participando de una suerte de desastre visual irreparable de la mirada. No así la pintura y el dibujo, estos no mienten nunca, una imagen pintada puede ser una fotografía mental de algo que ha ocurrido, un recuerdo, el arte de la imagen fotográfica está sujeta al documento, no puede inventar ni crear una imagen, necesita el modelo y además siempre es simulacro, la fotografía contemporánea es una operación devastadora de la imagen, todas sin excepción mienten. Una pintura participa de una realidad propia y siempre es presente, y es además autónoma, como si tuviera una realidad propia, Bruno Perramant dice “como una contra imagen”. Y el dibujo, es lo mejor, es la fuerza, la inteligencia y lucidez permanente. Me fascina la excelente definición que da Julia Kristeva de este: “El dibujo es el equivalente visible del pensamiento”

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  9. - ¿El arte debe ser a su juicio "participativo"? ¿Busca usted la interacción con el espectador de su obra?


    Pienso que las formas de hacer arte hoy día son múltiples, y como tal hay obras que requieren o demandan un cierto tipo de participación unas mas que otras. El arte goza de una expansión notable, como nunca antes en la historia, el despliegue de formas e ideas no tiene comparación con ningún otro momento en la historia. Esto no quiere decir que sea la época de la invención de formas nuevas, lejos estamos de la aventura de las vanguardias , de rupturas e invenciones originales. Pero pienso que el artista contemporáneo maneja todas estas recetas de los extraordinarios modernos. En este contexto, la obra o el trabajo artístico actual no tiene una manera de ser, ni de deber ser, ni necesariamente debe responder a una demanda cualquiera sea esta. La obra siempre se debe a ella misma, luego aparece el espectador y arma su propio relato.
    La obra está ahí para ser vista, mirada , tocada participada o manoseada según su requerimiento. Pero en definitiva, el observador también cumple un rol que muchas veces obviamos, y es el de darse el momento, el tiempo de descubrir, de ver, de mirar realmente. Como dice el gran historiador del arte francés Daniel Arasse, fallecido hace muy pocos años y un gran experto y amante de la pintura del renacimiento:'"Aimer, c'est d'abord voir" !
    La obra participativa existe, ejemplos hay muchos sobre todo en nuestro momento contemporáneo, pero esto no la hace ni mejor ni mas indispensable a la cultura y a la sociedad, lo importante de una obra en definitiva es que esta sepa captar la atención de quien la mira y que ese interés una vez alcanzado, cobre sentido para quien lo ve.

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  10. - Para unos su obra puede estar marcada por el humor y el sarcasmo, quizá para otros reinan el caos y el desbarajuste de ideas… ¿Usted, cómo lo ve, cómo se ve?

    Cada espectador, cada observador de la obra se armará su propio juicio de lo que el trabajo articula y transmite. En cuanto a mi, la noción del humor en el trabajo es bastante decisiva, pienso que ella, la obra está atravesada por esta manera. Ahora pienso también que se trata de un humor específico, que intenta de un modo deliberado colapsar el sentido de las cosas comunes, de cómo entendemos o debemos comprender el mundo, la realidad o una obra de arte. El humor opera aquí como un catalizador que ayuda a revelar una visión y proponerlo de otra forma, como un mal entendido que puede por fin ser aceptado o como puente para conectar con la posibilidad insospechada de una historia típica pero que ahora muestra otra cara. También como dice Gerard Gasiorowsky, “el humor es la forma mas refinada de la desdicha”. Y en este sentido quizá mi trabajo habla de una inmensa imposibilidad de acoger el sentido y lo único que estoy haciendo para disimular lo mejor posible la catástrofe, es confundir, desviar los caminos, mezclar las aguas, para que así nadie se de cuenta mucho del fiasco.
    Todo lo otro incluido mi forma de ver las cosas ya no tienen ninguna importancia, la obra está ahí, silenciosa, abrumadora, a veces amable para quien quiera ver mas allá o mas acá, trágica para el escéptico, infame para el hombre noble, en fin una trabajo abierto a la historia de la mirada y de la risa.

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  11. - Durante su estancia en León asistió a la inauguración de 'Modelos para armar' en el Musac. ¿Qué artistas y obras llamaron su atención especialmente? ¿Le interesó alguno?


    Primero que nada quiero decir que la exposición en general como propuesta curatorial me pareció muy buena, consistente, uno puede hacer un recorrido lineal y al mismo tiempo perderse, y las obras seleccionadas tienen en general la particularidad de guardar un autonomía, pero también la capacidad de vincularse con el espacio y las obras que interactúan en las cercanías. A muchos de los artistas presentes yo conocía sus obras, pero quisiera citar dos obras que para mi eran desconocidas y me llamaron particularmente la atención, se trata de dos film, el de Javier Téllez y Martín Sastre. Excelente los dos.

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  12. - ¿Es un buen momento para el arte contemporáneo? ¿La cacareada crisis, se nota?

    Una crisis siempre es positiva, es sinónimo de malestar y por consecuencia de cambio necesario y adaptación a otro escenario para seguir existiendo. Yo no se mucho en que puede afectar al arte contemporáneo mas allá de lo económico. Si consideramos que el mercado del arte, las galerias, el coleccionismo se ve afectado por la crisis y por consecuencia los propios artistas. Bueno, obviamente todo esto es lamentable. Pero a decir verdad me importa tan poco esta parte de la historia, regida siempre por la especulación monetaria, el arte, el deporte, el espectáculo en general devienen negocios donde la única diferencia entre si, es el precio de la entrada que estás pagando para ver el evento.
    Para mi el arte contemporáneo es algo extraordinario, y cuando digo esto me refiero al trabajo laborioso que llevan cabo los artistas, siempre explorando, buscando formas y estrategias distintas para realizar sus operaciones artísticas, y nada ni nadie los va a detener, y son miles de jóvenes que están creando cosas muy interesantes. Eso es lo potente del arte del presente, él está vivo y mas que nunca.
    Pero la contrapartida, es el lugar que los acoge, el sistema del arte, los curadores y críticos, sociólogos de pacotillas , las revistas especializadas, las galerías, los museos, bienales y centros de arte en general, todos apuntan a una banalización del discurso y las formas de presentar el arte: la era de la “espectacularización”. Ahí está la profunda crisis de sentido que opera, desarma y aplasta a la creación contemporánea. Y uno se preguntará con justa razón y si este sistema no existiera como lo harían los artistas para sobrevivir, si hoy sabemos que la mayoría parasita de esta forma?.
    La pregunta que se me viene en seguida a mi cabeza ya atrofiada de tanto darle vueltas: ¿ Y cual es la necesidad entonces de que el arte exista, porqué necesitamos del arte mas allá de la especulación?
    Paul Ardenne, dice: “mientras la vida perfecta no exista, el arte seguirá su camino, seguirá existiendo” no hay vuelta atrás, no hay tal crisis es el artista quien encarna un cambio posible. Pero su camino es la crisis, el artista no está en crisis es él quien encarna la crisis. Y eso al final de cuentas suma mas que resta.

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  13. - ¿En qué proyectos trabaja ahora?
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    - En el mas importante de mi vida:
    - En la elaboración planificada ya de larga data: el 1 de noviembre cumplo cincuenta años. A partir de esa fecha nunca más volveré a hacer algo en relación al trabajo artístico.
    - Me convertiré en un perfecto Bartleby y pasaré a formar parte de la legión ya no menor de los artistas de la negatividad, de los que nunca más hicieron nada.
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