15 abril, 2009

8 comentarios:

  1. Todo está ahí, sabemos que debemos hacer algo, cambiar, cruzar la linea, es decir arriesgar. Pero la pregunta que se impone necesaria es: arriesgar a que, cuando sabemos que el riesgo en arte hoy en dia es un lugar comun, que fare, la inanidad se impone en esa dimensión antes insospechada.
    y sin embargo, no quiero seguir asi!!!

    ResponderEliminar
  2. 5. Una nueva historia de infamia, según relata el critico-escritor Jean-Yves Jouannais y autor de la ya famosa historia moderna de la Idiotez en Arte, nos cuenta lo siguiente: Gerard Gasioroswski es antes que nada un nombre, el de un artista que vivió la experiencia de la creación como una ficción, la de su propia vida. Pintor inmenso, que a pesar de ser un perfecto desconocido en el extranjero, inclusive en Francia, consolido uno de los trabajos mas originales de comienzos de nuestra edad contemporánea Sus primeras cosas datan de 1950, un periodo de dos años de trabajo pictórico, que se verá interrumpido por once años de no producción. Luego, entre 1964 y 1970, inspirado en el pop art, Gasiorowski realiza ciento cincuenta pinturas hiperrealistas, les Approches. Telas ambiguas, donde el oficio del pintor está puesto a prueba, en una distanciación, que se acentúa, por el titulo de la obra. En 1970 realiza su primera puesta en abismo irónica de la historia del arte y sus clásicos modernos, el artista llama a esta etapa Periodo de Barbizon. Luego serían les Croutes, parodias sucias y vulgares de mala pintura de género. Grasientas puestas de sol se suceden a monumentos tan pretenciosos como mal realizados. En 1971-72, será les Albertines disparues, nuevos pretextos de perversión, tomando esta vez por blanco el ideal objetivo del retrato fotográfico. Y luego, Les Impuissances, se constituyen en trece pequeñas reproducciones, fieles y estúpidas ilustraciones del diccionario. En el 73, realiza les Aires, (lápiz sobre tela), presentándose como una colección de siluetas de pájaros estilizadas, dirigida a la superficie ascética de la pintura monocromática, recortándose como pequeñas contaminaciones falsamente líricas. Ese mismo año comienza la serie des Fleurs, pintura mecánica serial, un motivo floral con su respectivo macetero. Gasioroswski se fija por ambición con esta serie, agotar el stock de papel acumulado que llena su taller. Esta dificultad impuesta, que evacua todo aquello que hubiera podido ocasionar una demostración de connotación romántica, la llevará a cabo hasta el año 1982. Entre tanto se habrán suscitado ya las conocidas Regresiones, intentos suicidas para reencontrar “ un estilo de pintura de escuela”, u operar “ un retorno al estado anterior de desarrollo afectivo y mental”. Guerra terrible que el pintor lleva a cabo solo contra la pintura.
    Las ochenta y cuatro Amalgames, pintadas entre 1972 y 1982, fueron un pillaje al museo, una puesta en ridiculo de la historia de las formas modernas y contemporáneas. Ernst, Picasso, Beuys, de Kooning, los expresionistas, los abstractos, líricos, geométricos, todo desfilará en un formato único y castrador de 21 cm.x 29,7 cm.
    A comienzos de 1976, se funda la Academia Worosiskiga (AWK), ficción de una escuela donde retornan las cumbres del mundo del arte. Gasiorowski hace desaparecer su nombre en esta ficción. De pintor el se transforma en observador, en critico. De esta fabula nace Kiga la India, que encarna la Pintura. Es ella que inicia el circulo de la mierda. “Luego de la pintura de mierda no queda mas que seguir pintando con los excrementos”. Les Tourtes, 1976 bolas de excrementos recogidas y aliñadas con plantas aromáticas. les Jus, 1978, personajes ancestrales imaginarios de la familia de Kiga boceteadas sobre papel con jugos de la mierda. Entre los últimos trabajos que realizó habría que evocar les Meules, acrílico sobre papel, retorno al origen y a la ausencia de preocupación, y por otro lado, a la libertad, en el proyecto les Vagabonds. Una vez que Kiga desaparece, Gasiorowski, cerrando el eclipse de su propio enigma, vuelve a la tela y pone su nombre nuevamente en circulación.

    ResponderEliminar
  3. 6. la hipótesis del artista infame supone entender primero que nada al artista de fama como alguien que goza de una reputación no necesariamente muy transparente en sus procedimientos o estrategias artísticas para estar bien posicionado en el mundo del arte , y que el infame en su resistencia, a veces insolente y refractaria de la realidad del arte, estaría mas cerca de su contrario, el hombre noble. Todo esto a propósito del artista actual, y su imposibilidad en el fondo de no ser leído como un personaje trágico.

    ResponderEliminar
  4. Desde la ignorancia más absoluta me atrevo a preguntar y preguntarme si esa "imposibilidad" de no ser leído como un personaje trágico es una imposibilidad nacida del sujeto o de la sociedad. La tentación de hacer de uno mismo una leyenda -en el caso de quienes escriben, un personaje trágico, como me dijo alguien alguna vez - está siempre presente. Hay quienes la cultivan y quienes intentamos rehuirla. Y así nos va a todos.

    Extrañamente, y como pocas veces en la vida, yo sí quiero seguir así. Así mismito. Sólo que con algunas mejoras. ¿Será hacer trampa?

    Abrazo.

    ResponderEliminar
  5. 7. Dentro de las prácticas contemporáneas, las que se relacionan a una historia del cuerpo, podemos referirnos al trabajo de Unglee y su estética de la desaparición. Este consiste en colocar un anuncio en el periódico, que constata la muerte del artista. Sus anuncios circulan fundamentalmente en la prensa anglo- sajona y francesa. La particularidad de su estrategia desaparisionista, -que no es original puesto que antecedentes conocemos de esta índole, como Baader el dadaísta, que publicó su suicidio para reaparecer tres días mas tarde en otro anuncio que lo resucitaba- radica pues en que su muerte se repite ad infinitum, este no vuelve a re-aparecer en una pretendida resurrección del artista, sino que se muere de nuevo. Una de las características que encontramos en Unglee, es su amor por los tulipanes, por lo general aparece una fotografía de él con sus flores predilectas bajo la forma de un fondo paisaje, una escultura que decora un edificio, etc. lugares que Unglee encontró y se fotografío en él, esto sucede en las Vegas, o en Valle de la muerte, en una pradera cualquiera, en Tokio o en Paris. Cada desaparición reconduce un protocolo inmutable, dice Paul Ardenne: la muerte del artista en condiciones y edades distintas entrega una lectura de la reapreciación. La proyección funciona al revés, en contrasentido del tiempo, la muerte apareciendo como el punto de partida de la vida.

    ResponderEliminar
  6. Para hacer trampa hay que realmente ser muy astuto despierto y lucido, en eso consiste el engaño al otro, en sostener tu historia y que esta sea creíble? por cierto. La honestidad no existe en el arte, solo un conocimiento oscuro que se parece mucho al hombre noble, osea al infame.

    ResponderEliminar
  7. "Ensayo sobre la honestidad intelectual, por el prof. Mondrian Kilroy

    1. Los hombres tienen ideas.

    2. Los hombres expresan ideas.

    3. Los hombres expresan ideas que no son ellas.

    4. Las ideas, una vez expresadas y por lo tanto sometidas a la presión de un público, se convierten en objetos artificiales privados de un nexo real con su origen. Los hombres las refinan con un talento tal que las vuelven mortales. Con el tiempo descubren que pueden usarlas como armas. No piensan en ello ni un segundo. Y disparan.

    5. Los hombres usan las ideas como armas, y en este gesto se alejan de ellas para siempre.

    6. La honestidad intelectual es un oxímoron."

    Alessandro Baricco.

    ResponderEliminar

Compatir